创作现场,走进70、80、90后艺术家的私属空间

既是工作室,也是收集灵感的地方。

封面
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工作室,是艺术家们收集灵感的私人空间。

他们在这里思考、创作、找寻自我,

试图将有趣的世界展现给大众。

本期DECO带你一起推开大门,

走进70,75,85,90后四位中国当代艺术家的工作室,

去看看作品诞生的地方。


70
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尹朝阳工作室内有许多他收藏的古董石雕。
尹朝阳工作室内有许多他收藏的古董石雕。
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尹朝阳是70后代表艺术家,2000年的“青春残酷”系列让他“一炮而红”,之后的“神话”“乌托邦”“正面”——每一个阶段都不断涌现代表作,展现了艺术家旺盛的创作力与强烈的变革欲。尹朝阳是一个在艺术上不断寻求突破与变化的人,总在不断打翻已“成功”的代表作。他不愿被困在某一个题材里,总希望去尝试一些新的东西。2010年左右,尹朝阳开始创作“嵩山”系列直到今天, 这是他艺术创作上尤为重要的一个转折点——不仅是人物绘画消失了,画面的张力也从向外爆破转为向内探索。

工作室内的展示空间。
工作室内的展示空间
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提到“嵩山”的缘起,还要追溯到2005年尹朝阳第一次到美国大都会美术馆,他说这是很关键的一点。大都会美术馆“收藏”的大量中国古代佛像、石雕等都深深吸引了尹朝阳。2005年从美国回来之后,尹朝阳就疯狂迷上了古董,开始收藏中国古代石刻佛像,同时跑遍全国,探访了很多中国古代历史上最重要的艺术现场,比如龙门石窟、云冈石窟、北宋皇陵、巩义(上古时期)、响堂山(河北),等等。2007年一个偶然的机会,尹朝阳第一次去到嵩山游玩深受触动,之后到2010年他一直在默默酝酿发酵“风景”这个新的主题。

尹朝阳2019年作品《嵩山谷》。
尹朝阳2019年作品《嵩山谷》。
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这个阶段,除了去看很多遗迹,他也看了大量中国古代书画。“以前创作当代艺术是从西方借鉴,现在看这个我觉得更加亲切。而且看一段时间之后再返回去看、反复去看去体会,看它是不是始终能打动我。”

收藏古雕塑、佛像让艺术家对自己的创作有了全新的思考。
收藏古雕塑、佛像让艺术家对自己的创作有了全新的思考。
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尹朝阳注重作品的情感、力量、直觉性,他希望能做自己内心喜欢的、可以把传统与当代整合起来的创作。积累许久,2011年尹朝阳真正开始动笔嵩山系列,第一张画的是《悬空寺》:“一开始还是挺艰难的,因为这几乎是一个全新的题材,而且要放弃掉你原来所有的题材、内容、技术……我一直在找那种感觉,找那种对应的气质。”而人物也在消失了十年之后,再次出现在尹朝阳的油画中——创作于2016至2017年的《寒林图》是一幅风景中的人物群像,“它把我等待的、想要的那种人的状态找到了。”这也是龙美术馆《浩瀚史》展览中他个人最喜欢的作品。

艺术家同时还在进行书法练习,对中国古代艺术史有了重新认识。
艺术家同时还在进行书法练习,对中国古代艺术史有了重新认识。
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创作嵩山系列,尹朝阳也开始练习书法,他感觉自己是重新学了一遍中国古代艺术史,进入到另外一个与西方完全不同的系统。“中国的系统不是按照西方那种线性的、进化论的,从中国古代书画中,你可以看到古人如何去处理同样一个题材,中国古人会把山水中的这些因素分解出来。唐宋时期一整套山水画的方法开始成熟, 之后历代都是对它的修正或突破,可能经历很多朝代、过很长时间才会出现一两个大师。隔一段时间再回头去看,这一整套逻辑其实非常严谨。”这十几年来尹朝阳几乎每年都会去嵩山写生,不为名胜古迹,而是看一座无名的小庙、一个山谷、一块巨大的岩石,他保留了十年间所有写生,好像成长记录。虽然“面对同一个地方、同一个题材,但我自己在不断加深对它的理解”——嵩山就好像是尹朝阳心中塞尚的圣维克多山。“我其实就想以塞尚为参照,当他画到某处时,你可以看到他在那里的变化。我其实特别想体会一下这种感受。”

艺术家尹朝阳家中一角,四周摆放了他近几年创作的油画、水墨等材质在内的作品。
艺术家尹朝阳家中一角,四周摆放了他近几年创作的油画、水墨等材质在内的作品。
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当代艺术的创作,除了西方之前的影响,是否还存在另外一种可能性?尹朝阳希望打破中国经典山水与风景的局限,曾经一度在他笔下消失的人物被重新组织成一种新的绘画范式。“我觉得每一代人都有它必须要解决的困境。我希望在整个的画面里,能够有一种不断的进步。”

曹斐
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“红霞”
“红霞”( 2015-2021 )项目以艺术家对红霞影剧院的研究兴趣为出发点,对影剧院及周遭地区展开跨学科的深入探究。
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UCCA尤伦斯当代艺术中心“曹斐:时代舞台”是迄今为止曹斐规模最大、最全面的回顾展,也是她在中国大陆举办的首个机构个展。这次在北京,通过“南方游戏”“都市乐园”“车间内外”和“另类实境”四个主题,曹斐以充满个人化的表达观察社会的疾速变迁,作品介于日常与荒诞之间,以视频、照片、雕塑、虚拟现实和装置等形式搭建出一个城市剧场,诠释着当下的每时每刻——即我们所属的时代舞台。

从2015年起,曹斐开始了对红霞影院的修复和研究,如今早已关停的影院还保持着旧时模样。
从2015年起,曹斐开始了对红霞影院的修复和研究,如今早已关停的影院还保持着旧时模样。
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展览内容密度之大超出一般想象,“在这里可以呆一整天,有吃有喝,也很好睡。”曹斐笑道,她对这次展览的呈现很满意,“沉浸式的展陈方式也是按我的想法来实现的,这是我以往的美术馆展览所没有的。”

“红霞”项目内。
“红霞”项目内。
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关于这个时代的特征,她总结为“焦虑”:“在疫情反复之际,人如困兽,缺乏耐心。与此同时,虚拟世界再次被推为热点。我们处于事物的交汇点,未来显得不甚清晰。”而作为艺术家,她只能尽量避免沉湎于时代,投身于创作与研究。曹斐认为这种“当代情绪”是世界共通的,并不针对南方城市或中国本身;也是“无对象”的,即便是保安、保洁也能产生共情。所以曹斐称自己的创作是无区分的“自助餐”,没有分门别类的配方。

展区正中
展区正中是“南方游戏”的部分,以南方城镇的街头为原形,舞台上下播放着曹斐拍摄的短片作品 ;与之相对是作品“人民城寨”项目 ;远处是艺术家的长期研究项目“红霞”(2016-2021)。
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整个展览气氛像是广东地区的大排档,五光十色的热带夜生活徐徐展开。曹斐本人虽然已经移居至北京生活15年了,但她的艺术底色仍是南方的。这种幽默轻松的基因与北方的创作环境大相径庭,而从市井生活和小人物切入的方式也深受南方文化影响。“在展开南方游戏夜间活动中,我21年前的作品《牛奶》中的男主角会来到现场。他现在已经是夜市中的草根明星‘炒螺明’,但当时我为什么选择了他?”曹斐认为自己善于发现普通人身上的戏剧性,“他代表着普通打工人生活中的光彩。互联网将他捧红之后,他的粉丝还集资为他开个人演唱会圆梦。这种创作与人真实生活轨迹的重合是十分有趣的。”与之相似,2006年作品《谁的乌托邦》里在工厂仓库中跳孔雀舞的女孩后来离职、上学,成长为文化产业园的CEO。“去年五条人的走红,可能是对偶像文化、精英主义和过度塑料化、包装化的反抗吧。”曹斐坦言自己没看过节目, 但她推测这个世界总是需要“另一种声音”。

作品
作品《乐旧 · 图新》(SameOld,Brand New,2015)前面搭建了一座“阿珍茶档”,观众可以在这里喝奶茶吃点心,感受南方路边摊的情景。
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在展场中央早期作品堆积的“广场”上,大型标语“My city is yours,your city is mine”格外醒目。这是2007年曹斐在“第二人生”虚拟世界中创建城市所提出的理念,这里不设国界、开放自由。“当时还是一个乐观繁荣的互联网状态,这句话表达了与之相对应的一种憧憬。而在我所创造的‘人民城寨’迷你城市中,这也算是一种追问。”曹斐解释道, “现在人们也同时栖息在虚拟世界中,双线并行。我再用这个展览把人们从碎片化的网络中拽回现实世界,聚合在一起。”曹斐认为互联网早在十多年前就代替了部分公共空间,后疫情时代人们重新需要Clubhouse这种“去二次元”的聚合空间,“升维”到一定程度的人们“眼球被刷爆了”,又“降维”回到“播客” 时代,回归独白、自省和严肃思考。

“红 霞 ” 项 目 还 包 括 名 为 《 永 不 消 逝 的 电 波 》的 虚拟现实作品以及相关增强现实作品。采用 vr 技术让观众可以感受远去的历史。
“红 霞 ” 项 目 还 包 括 名 为 《 永 不 消 逝 的 电 波 》的 虚拟现实作品以及相关增强现实作品。采用 VR 技术让观众可以感受远去的历史。
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为期五年的城市历史调研项目“红霞”展示了北京一座废弃的社区影院的一部分,同时植入了太空服、末世黄沙等新元素,形成一种“割裂的舞台感”。“这个作品中有很多层次,不同年龄层的观众会获得不同的情绪体验。”曹斐说这种交错的维度来自基于史实的碎片化汲取,她通过艺术创作重构了那段历史故事,形成通过个人角度展开集体记忆的“时光追溯的纪念馆”。曹斐始终致力于“穿透现实”,以自己的视角书写一部诗意、荒谬而不乏悲悯之心的超现实主义“罗曼蒂克消亡史”。

“红霞”项目中的科幻长片《新星》。
“红霞”项目中的科幻长片《新星》。
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王加加
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客厅中间放置了王加加的父亲收藏的一座明代古建,是南方民居结构。壁炉上是王加加今年的新作《整个夏天,他们都在说谁?》。
客厅中间放置了王加加的父亲收藏的一座明代古建,是南方民居结构。壁炉上是王加加今年的新作《整个夏天,他们都在说谁?》。
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1985年,王加加出生在一个艺术世家,外公外婆、父亲母亲都是艺术家。在他的成长经历中,成为艺术家是一件自然而然的事情。3岁的时候,他跟随父母到了英国伦敦,直到2010年才回到北京。在他身上,不同文化基因有冲突、更有融合。他希望自己的艺术作品能用一种“比较轻松”的方式表达出融于他基因中的文化差异。

王加加2021年作品《moments in love 时间, 人物, ⻛景》
王加加2021年作品《Moments in love 时间, 人物, ⻛景》
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王加加的画室位于北京郊区一个村子里,画室外有一片果林、一个池塘,还有几只狼犬不安分地跑来跑去。他喜欢在画室里从中午一直工作到晚上,尤其是到了夕阳时分,在果树林散步遛狗, 是工作到一半时最好的休息。2010年刚回国的时候,他还不能忍受这种远离人群的孤独,辗转几个工作室后,5年前回到这里。“可能变得更成熟了一点,觉得更能静下心来在这边画画了。”

院子里有果园也有荷塘,呈现出和一般艺术家工作室不一样的自然景致。
院子里有果园也有荷塘,呈现出和一般艺术家工作室不一样的自然景致。
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在孩童时期,王加加过着一种自己不太能理解的双重生活。虽然住在伦敦,但回到家里又是另外一个样子:家里挂着中国书画;当别的小朋友都在玩耍时他却要完成父母留的额外作业:背诗词、写汉字。后来回想起来,他觉得自己很幸运,可以在不同的文化语境中成长。在某种程度上,他是两种文化的参与者,也是观察者,有着双重身份。“我试图让中国历史中的文化和美学都保留在我的作品中,但不是以过于直接的方式。”王加加说这是一种“比较轻松”的状态。

工作室的起居空间很宽敞,放得下整个房子的结构框架。房子下是家里的餐厅区域。对面墙上的作品为《停止时间,深如丛林,沉迷夜色》。
工作室的起居空间很宽敞,放得下整个房子的结构框架。房子下是家里的餐厅区域。对面墙上的作品为《停止时间,深如丛林,沉迷夜色》。
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比如画室里有他以敦煌壁画为灵感的作品,有浓郁的色彩、大开大合的笔触和画中闪亮的卡通眼睛,集合了电脑打印、拼贴、树脂等方式。既区别于传统中国山水、也不同于西方艺术语言。这里有他小时候对中国的想象和在当下语境中的艺术语言。

从2016年《冒险》系列一直延续到现在,“眼睛”是王加加作品中的符号性语言。因为它的存在,作品被拟人化,像一个有生命、有性格的存在,和观看者之间有了对话,就像他从小被父母教育的那样,“说话要看着人的眼睛”。

工作室内是艺术家独立的创作空间,侧面墙上的作品为《别叫醒我,我感觉她在向我靠近》,正面作品为《跟我来,带你飞》。
工作室内是艺术家独立的创作空间,侧面墙上的作品为《别叫醒我,我感觉她在向我靠近》,正面作品为《跟我来,带你飞》。
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在工作室里,各种颜料散乱地摆满了一个工作台。他像是没有禁忌一样大胆地使用着各种颜色。更多色彩、更多颜料、更复杂的笔触、更多层次……人造的奇观、都市霓虹一样的色彩、二次元卡通与游戏形象、具有破坏性的笔触同时存在于一幅作品中,很像我们所处的时代,快速地,夹杂着碎片,翻滚着前进。和互联网原住民不同,王加加出生在1985年,他直到十三四岁才接触网络。他想表达“古老的破坏方式和现代的引进”,因为“我知道我卡在那个点上”。

王加加2021年作品《the sun is in my eyes 日照》
王加加2021年作品《The sun is in my eyes 日照》
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高露迪
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展览
展览展示了高露迪创作于2020-2021年的一系列布面丙烯作品。图中为作品《橙色郁金香》(Orange Tulip),2020( 左) 和《 汉 堡 切 面》(Section of A Burger),2020(右)。
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在2020年春节疫情之后,本来就不常社交的艺术家高露迪,有更多时间在工作室进行创作。孩子的来临让他理解问题的角度多了更多维度,生活状态的变化也反映到他的创作中。在今年三月初的个展《杂志》所呈现的作品中,有些素材来自表情包、新闻图片、母亲发来的照片等等。这恰好能体现出高露迪对生活的关注。

高露迪工作室位于北京近郊一座厂房内,简单的空间被大量作品占据主要位置。
高露迪工作室位于北京近郊一座厂房内,简单的空间被大量作品占据主要位置。
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高露迪这批作品的创作内容有放大细节的汉堡包、郁金香花蕊、他之前少有涉及的人像……作品没有宏大叙事,而是捕捉日常生活中的寻常图景的艺术化再现。相比较于“画什么”,高露迪觉得“怎么画”更有意思。如果追溯绘画的历史,早在3万多年前就诞生了岩壁画,人类就在二维平面中进行了这种形式的艺术创作。

工作室的一侧摆放了绘画需要使用的材料,以及艺术家高露迪的作品。
工作室的一侧摆放了绘画需要使用的材料,以及艺术家高露迪的作品。
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在当下生活中,当一个年轻人决定进入这个古老甚至是“衰老”的“窄门”领域并“想保持鲜活”,需要做好充分的准备。“在这里摸索的话,你想抓的点,可能别人已经抓过了。”在色彩、材料、结构上寻求突破,是艺术家个人的兴奋点。他关注不同材料属性、色彩细微差异,并在这些差异中探索表现力的可能性。在他看来,这是一种世界观或是逻辑观,在各种素材被整合之后,解构、重组这个世界的信息。

他近期的画作,题材和内容日常而平易近人,取材于给予画家感触的周遭事物,来自人与人、与世界交往中朴素的交流与表达。
他近期的画作,题材和内容日常而平易近人,取材于给予画家感触的周遭事物,来自人与人、与世界交往中朴素的交流与表达。
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我们今天生活在一个快速信息化的时代,在高露迪看来,“之前信息相对被提炼、时效性更长。现在信息更快,筛选没有之前那么严苛。可能一个人做很小一件事就能成为一个小新闻,而小新闻的热度持续了一天半天,就不再有人记得。”在这样的大环境中,整体改变带来了审美趋势的变化。曾经人们基于现实形成对色彩、结构的认识,而互联网几乎可以让人们看到一切,但它是通过视频或图片,即被摄影师、录像师采集之后,大众看到的是二手世界。这个二手世界又会影响现实世界、影响到大众。当图片阅读变得容易、便捷后,艺术家关心的是如何在此基础上创造独特性。

作品《牛肉汉堡》(beef burger),2021。
作品《牛肉汉堡》(Beef Burger),2021。
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在个展《杂志》里,荧光色多次出现在作品中。这是高露迪对于色彩的一种探索。艺术家用手机屏幕迭代为例,说明人类在追求更广色域上的努力。“荧光色只是给颜色增加维度。对于绘画而言,这样可能性就更多。”在作品《油菜》中,高露迪在灰色背景中控制红色与绿色的不同关系;《球迷》的创作素材来自一张新闻照片,是世界杯比赛中日本与塞内加尔球迷同框出现的一瞬间。高露迪感兴趣的是这种50%白与50%黑的中劈构图。“因为中劈所以不安全,最后就要看你怎么控制这个画面。”

作品 《 凝 视 》
作品 《 凝 视 》( G a z e ),2 0 2 0 。
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高露迪工作室位于北京近郊一座厂房内,简单的空间被大量作品占据主要位置。他近期的画作,题材和内容日常而平易近人,取材于给予画家感触的周遭事物,来自人与人、与世界交往中朴素的交流与表达。而高露迪经常使用的部分绘画工具,高纯度的荧光色彩、富有几何美感的点线面也成为了他的标志之一。

艺术家经常使用的部分绘画工具,高纯度的荧光色彩、富有几何美感的点线面成为他的标志之一。
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艺术家经常使用的部分绘画工具,高纯度的荧光色彩、富有几何美感的点线面成为他的标志之一。
艺术家经常使用的部分绘画工具,高纯度的荧光色彩、富有几何美感的点线面成为他的标志之一。
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有评论说高露迪是把“无聊”变得有趣。他强调说不是“无聊”,而是那些在广义上“不精致”的照片就像在原始森林中捡到的东西,是“唯一的”。这给他留下了更大的创作空间。

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