网红展摆拍有多野?

认真研习艺术,或是努力去理解展览内涵太费脑细胞,最快捷、性价比最高的手段还是拍个照,证明“我来过,我看过,我升华过”。

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看展的各位

不要影响到拍照的人哦

自上世纪60年代以来,美国艺术家James Turrell就一直致力于利用光线进行创作,在美术馆的空间里构建一个个光怪陆离的感官世界。

参观者随之走入艺术家所设置的梦境,或透过天窗观看黄昏时分天空的色彩变化,这种体验被称为“沉浸式艺术”。

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“40后”James Turrell应该没有预料到,半个多世纪后,“沉浸式艺术”会和“多媒体装置”、“跨界”等词语一起,成为“网红展”的代名词。

而他在中国的回顾展,则成为了90后和00后弄潮儿们的打卡圣地,并站在了朋友圈——这一遥远东方社交媒体的鄙视链上层。为何?因为高级。

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“高级感”这个词在中国的社交媒体上经历了一轮万金油般的过度使用后,已经由盛而衰,但是对于高级感的追逐,却在热衷于展现自我的年轻人心中埋下了种子。

他们不再满足于过度美颜的大脸自拍,而是希望借由艺术之名来提升自我的形象。

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不过认真研习艺术,或是努力去理解展览内涵太费脑细胞,最快捷、性价比最高的手段还是拍个照,证明“我来过,我看过,我升华过”

一种新型生活方式

不必取阅展览手册,直奔热门打卡点,“咔咔咔”,摆几个pose换几个表情,修图,发送朋友圈。大功告成,从进馆到出馆都不用半小时。

至于艺术家是谁?展览主题是什么?刚忙着拍照,没注意。

有时候,观察在网红展拍照的人,甚至比看展还有意思。下面这些照片,你一定非常眼熟,又或者你就是照片中的主角:

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以下这些展览,哪怕你没有亲临现场,一定也在社交媒体上完成了在线看展:

teamLab的“花舞森林”,曾多次在东京、米兰、 硅谷、伦敦等地举办巡展,2017年来到中国。展览用电脑程序打造出的梦幻虚拟花海,并与置身其中的观看者产生实时的互动。

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去年在上海昊美术馆展出的莱安德罗·埃利希的《虚构》装置艺术展,或者是正在展出的丹尼尔·阿尔轩的《现在·在现》,虽然风格大相径庭,但同样具有网红展体质。

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英国鬼才设计师Paul Smith也曾带着他的粉色风暴给中国少女们带来灵魂的温柔一击。

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尽管真正看展的人往往被在展品前疯狂拍照的人不堪其扰,但是网红展却丝毫没有消停的意思。

一方面,成为网红展意味着巨大的社交传播力,总有源源不断的人愿意买单,门票实际上是种“拍照税”。另一方面,大多数网红展的成本低廉,知识结构简单,对于办展方而言,基本是只赚不赔的买卖。

从ins风到小红书风

无论是国内外,谈到网红展的发展,就绕不开社交媒体。任何一个有潜力成为网红的展都是Instagrammable的,或许在国内的语境下,这个词应该换成Redbookable——即能够为用户提供能轻易获得点赞的图片。

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为了在网红展拍到好看的照片,那些时髦男孩女孩们付出的努力简直令闻者落泪,听者伤心。毕竟我们不过是安静如鸡地看完了一个展览,人家可是从出发前到结束后都时刻不松懈,兢兢业业完成拍摄任务。

在小红书搜索“网红展拍照攻略”,不仅有展览值得拍照的打卡点一览,还有详细的妆容、穿搭建议:

比如teamLab这种光影酷炫的展就尽量穿纯色,让花朵的图案包围整个身体;

但是像光线昏暗的展览,就要穿着反光材质的衣服,妆容以drama的欧美妆为佳。

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至于拍照的姿势,以“认真看展”状为佳,关键就在体现一个“沉浸式”。

“不要游客剪刀手,可以酷一点,这样的场景很容易拍出大片质感。”

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拍照攻略甚至还附有适配展览风格的修图调色攻略,堪称一条龙服务。

除了跟风打卡集赞的,也不乏真的把网红展拍照当成工作的人,比如淘宝店主们。每逢新品拍摄,去哪里拍都成了最令他们头大的问题。

租棚太贵,光是器材灯光零零总总加起来就够几十件衣服的成本;在马路上拍街景容易引起围观,更何况,现在城市间同质化的街景真没啥好拍的,一不留神背景里还会出现一溜儿丑得一模一样的店铺招牌。

一来二去,艺术展就成了最好的选择。带上摄影师,在场馆厕所换衣服,只需要花上小几百的门票钱,就能从开馆拍到闭馆,把一季新款一次性拍完,划算。

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北有798尤伦斯和木木美术馆,南有西岸龙美术馆和油罐,去网红展拍照的人不会放过任何一个可以摆拍的地点,包括美术馆性冷淡风的外墙。

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开幕不久的上海油罐艺术中心也丝毫不输

他们看展5分钟,拍照1小时,其中有半小时花在排热门打卡点的队上。但你要问他们展览传递了些什么?“攻略上没写这个啊。”

他们对艺术家名字和展览主题最熟悉的时刻,发生在撰写朋友圈文案的时候,一个字母一个字母核对,拼错了就丢人了。

可仔细看,这配图怎么9张有5张都是他/她自己的照片呀?

虽然“苦网红展久矣”的舆论生生不息,但是在抱怨之前,可能我们得先了解,到底什么是网红展?

能生产好照片的展览才是网红展

所谓“网红展”,大多指出片率高、并能在社交媒体上迅速二次传播,引来更多人打卡的展览。

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在“网红经济”的带动下,这类展览的艺术寓意并不重要,因为展品也不过是拍照的背景墙而已(甚至还可能被大光圈虚化掉),好不好看、适不适合拍照才是网红展的命脉所在。

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无论是不是粉丝百万级的网红,去展览拍照都已经成了一种都市年轻人的生活方式。

另外,会拍照也是社交加分项,懂一些构图和光影,别人往往更乐意与你一起去看展,某种程度上网红展也成为了一种新兴社交货币。

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不过,网红展的概念仍然是复杂的,可以分出几种派系来,重要的区分标准是:这个展览是只能用来拍照,还是能够带给你一些新的思考。

一些被冠上网红展名号的展览,实际上是正儿八经的艺术展。

比如草间弥生的个展,那些密集的彩色波点、巨型的“南瓜”和“郁金香”、抽象神秘的画作,无一不是完成一张自拍的绝佳背景板。谁又能忍住不在那无穷无尽的镜屋里,留下一张孤独身影的照片呢?

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刷屏你朋友圈的克莱因蓝,其实是上海当代艺术馆策划的伊夫·克莱因、李禹焕、丁乙联展。

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然而艺术家本人的知名度决定了这场展览的网红属性,或者是展览中某些艺术装置出片率奇高,才使得拍照的人蜂拥而至。这些展览也“不得已”成了网红展——也许你会说,策展人在策划时已经预料到了某些展品会成为打卡热门,但是归根结底,这些展览的艺术性却不会因为某一两件网红展品而大打折扣。

这类艺术展的火爆还催生出了另一条产业链,即山寨展览。

从去年四月起,深圳、广州、武汉、上海等各个城市都出现了草间弥生和村上隆的虚假展览,展览中展出的也是粗制滥造的赝品。

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兰登国际的大型装置雨屋自2012年诞生起便声名大噪,各地都出现了山寨“雨屋”,打着伦敦巴比肯、纽约当代艺术博物馆里那个著名的装置艺术名义进行欺诈宣传。

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而除了这一类艺术展,还有一类展览,从诞生之初就是奔着成为网红而来的。这类展览大多知识门槛低,而且如病毒般具有很强的可复制性。展览装置要么是多媒体可沉浸式,要么就是大量运用亮眼的色彩来吸引眼球。

要回顾这一类网红展的源头,其实也没有多远。

2016年,快闪展览冰淇淋博物馆在美国创办,热门异常,曾创下5天内门票一抢而空、20万人进入等待名单的纪录。即便门票价格高达38美元(约270元人民币),却依然火爆至今,一票难求。

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冰淇淋博物馆,馆内 VS 馆外

这类快闪展览的盈利模式与艺术特展有相似之处,又因为其大众和网红属性有所不同,除售卖门票以外,还通过开发展览衍生品、进驻商业地标等模式实现变现。

展览场地往往选在商场,也暗示了这些展览的商业性。对于商场来说, 网红展能为商场吸引客流,客流也就意味着收入。

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早在几年前,就有3D视觉展在国内引起打卡热潮。几年后的现在,类似孤独的泡面、失恋博物馆、棉花糖与白日梦等实际上并无多少内涵的展览,依然能够实现朋友圈刷屏。

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棉花糖与白日梦,又一个狙击少女心的网红展

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失恋博物馆

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虽然泡面真是人间美味,但是这个“孤独的泡面”展是怎么回事?


去网红展拍照

真的能提高审美水平?

以目前的情况来看,还不太能。因为专注于拍照的人,几乎都不会认真看展,走个过场而已,何谈接受艺术熏陶?

越来越多的人正在走入美术馆和艺术展,无论此前他们有没有接受过系统的艺术教育,增长的流量仍然为美术馆或策展方提供了“社交媒体笼罩下的新一代年轻群体样本”,并或多或少影响到了他们的抉择。

从此前的不允许在场馆内拍照,到如今的欢迎拍照,并鼓励发布社交媒体,可以看作是艺术场馆向利益和减轻运营压力而作出的让步策略。

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这种现象也向策展人和艺术家提出了新的命题:要不要在创作时,纳入一些更容易传播的视觉元素?要不要在策展时,设置一两个适合拍照的打卡点?要不要在考虑艺术性的同时,也平衡一下大众的接受程度?

这样的问题,每个搞艺术的心里都有自己的答案。

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当然,靠“拍照好看”吸引年轻人并非就政治不正确,只是吸引过来后,接下来的艺术教育如何完成,才是真正亟待思考的问题。

否则,让人啼笑皆非的事情还会不断上演。笔者就曾在某艺术展现场,见到有人在艺术家的生平介绍板前摆拍不已。

在克里斯蒂安·波尔坦斯基的《忆所》展上还闹出过更大的笑话。

展览现场,在星星点点的灯光中,天花板上垂下一张张在二战中去世的犹太人遗像,艺术家希望通过这件展品来探讨“死亡”和“人类境况”的话题。

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然而没有仔细阅读展品说明的人,把这当作了美轮美奂的背景板,摆起了pose,和六老师的灵堂卖片异曲同工,他们实力演绎了什么是“坟头摆拍”。

参考资料:

1.“网红展”何以受热捧,田文娟

编辑:醺子

部分图片来自视觉中国及东方ic

其余来自美术馆官方微博及网络

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